Da jeg først begynte å skrive sanger, trengte jeg en måte å dele dem med folk når jeg ikke kunne dra gitaren min til dem og opptre personlig. Jeg visste at det var studioer i større byer rundt meg som jeg kunne betale for å leie, men jeg var ikke kjent med opptaksteknikker, og jeg var ikke en gang sikker på hvor jeg skulle begynne. Jeg tok kontakt med noen få studioer og begynte å stille spørsmål, men jeg kunne fortelle at å leie et studio ikke var et alternativ for en nybegynner, og helt ærlig, jeg hadde ikke de ekstra pengene jeg trengte å bruke på noe som rett og slett var en hobby. Derfor bestemte jeg meg for å bygge mitt eget studio hjemme.
Hvorfor skal jeg spille inn hjemme?
Å kunne spille inn demoene mine fra mitt eget hjem, tillot meg å produsere dem i mitt eget tempo uten å bryte banken. Dette hjalp meg med å spare nok penger og spille inn nok tar at jeg endelig kunne sende sangene mine til steder jeg ikke hadde drømt om da jeg først begynte å skrive. Etter hvert kunne jeg sende noen av demoene mine til forlag i Nashville. De var glade for å høre kvaliteten på sangene mine, så vel som talentene mine som sanger. Det er få ting som er mer givende enn å lage dine egne sanger.
Det du trenger for å spille inn flott lyd hjemme
Etter litt tilleggsundersøkelse på nettet, fant jeg ut at jeg ville trenge:
- en mikrofon
- en frontrute
- en forforsterker (eller en type utstyr for å øke og kontrollere signalet)
- programvare med flere spor
- en datamaskin
Beste opptakspraksis
- Bruk det beste utstyret du kan finne.
Jeg har lenge hørt at det beste verktøyet for enhver jobb er det du har med deg. Siden jeg jobbet med et lite budsjett, var verktøyene mine begrenset. Likevel ønsket jeg å være sikker på å fange den beste lyden jeg kunne, så jeg sparte pengene mine og kjøpte en Audio-Technica 4033T kondensatormikrofon. Det var først og fremst en vokalmikrofon, men den kunne fungere som et akustisk instrumentmikrofon (selv om det ikke var det tiltenkte formålet). Jeg kjøpte også et M-Audio-grensesnitt som hadde forforsterkere innebygd i, og ville koble meg via USB til min bærbare eller stasjonære datamaskin. Dette tillot meg mobilitet og ga meg tilgang til Pro-Tools, som var en flersporsprogramvare av høyere kvalitet enn den gratis applikasjonen jeg hadde brukt.
Jeg lærte hvordan jeg skulle presse hver unse prestasjoner ut av disse grunnleggende verktøyene, i stedet for å legge skylden på mangel på dyrt utstyr. Jeg fokuserte på å forstå hvordan jeg skulle bruke det jeg hadde, eller kunne låne, i stedet for å tro at jeg trengte noe annet jeg ikke hadde. - Øv filosofien “søppel i, søppel ut”.
I tillegg til å mestre utstyret jeg hadde, praktiserte jeg filosofien “søppel i, søppel ut”. Mens noen ting kan fikses ved hjelp av innspillingsprogramvare, lærte jeg at jeg ville oppnå de beste sluttresultatene ved å registrere det beste signalet jeg kunne begynne med. Dette innebar å finne det beste rommet å spille inn, vekk fra bjeffende hunder og skylling av toaletter. Jeg sørget også for at inngangsnivåene var riktige, og ikke for stille, eller for høye, noe som ville føre til at de ble forvrengt.
Før innspilling sørget jeg for at instrumentene mine ble innstilt ordentlig, at rare surr eller brum ble sporet opp før innspilling, og verktøy som mikrofonstativer og frontruter ble brukt for å redusere håndstøy på mikrofonen og vindpupper på vokalsporet - Hold alle ikke-essensielle elektroniske enheter utenfor opptaksområdet.
Et av de siste demonstrasjonene mine har en lav, men hørbar, iPhone-tekstvarsling lyd midt i et vokalspor. Dessverre var det den beste vokale innspillingen jeg hadde hele natten. Nå vet jeg å holde alle ikke-essensielle elektroniske enheter utenfor innspillingsområdet, fordi det er noen ting som er vanskelige, om ikke umulige, å fjerne fra et spor du trenger å bruke i en endelig blanding. - Uthev vokalen som stjernen i innspillingen.
Siden en sang ofte forteller en historie, og sangeren er historiefortelleren, fremhevet jeg vokalen som stjernen i innspillingen. En låtskrivingsmentor fortalte meg tidlig at hvis en lytter ikke kunne forstå ordene til en sang, det ikke var noe poeng i å lage en demo, så jeg lærte raskt flere teknikker for å fremheve vokalen. Hvis jeg ikke hadde tilgang til en faktisk lydbås, ville jeg brukt provisoriske lydpaneler fra hva enn jeg kunne finne for å dempe lyden rundt vokalisten. Dette vil bidra til å døde den naturlige etterklangen i rommet, eliminere den ekstra lyden fra tøffe overflater og isolere vokalen for å gjøre den så tydelig som mulig. Jeg brukte en frontrute for å redusere sprettlydene i vokalsporet og lærte å sikte vokalen over toppen av mikrofonen når det var nødvendig. Dette forhindret dem i å sprette direkte fra overflaten på mikrofonen og reduserte dukker og sus. Jeg spilte inn vokal som satte meg ned, sto opp, mens jeg leste lyriske ark, med tekster som ble memorert, og alle andre måter å få en annen følelse og lyd til et vokalspor. Jeg lærte også å spille inn flere sangstemmer. På den måten kunne jeg redigere feil og erstatte dem med bedre forsøk. Jeg justerte blandingen av de andre instrumentene til å sitte i forskjellige rom lydmessig slik at de ikke ville konkurrere med plassering av vokalsporet. - Evaluer opptaksmulighetene dine ærlig.
Fordi jeg visste at jeg hadde et begrenset sett ferdigheter i studio, vurderte jeg innspillingsegenskapene mine ærlig. Dette kan også kalles mitt "less is more" eller "work smartere, not harder" -prinsipp. Selv om jeg ble fristet til å prøve å legge til spiffy gitarsolo og kjekke trommespor, kjente jeg igjen at jeg ikke er hovedgitarist, og jeg er heller ikke trommeslager. Å prøve å bli ekstra kreativ på områder der jeg ikke hadde spesifikke talenter, førte vanligvis til utilfredsstillende resultater, og de hørtes ofte amatørmessige ut - akkurat det motsatte av det jeg prøvde å oppnå. Jeg lærte å forstå begrensningene mine og være ok med dem. Jeg lærte å unngå praksisen med å overprodusere og å ikke bli forelsket i en del av demoen bare fordi jeg spilte den inn. Alt var klar for evaluering. I tillegg lærte jeg å hente inn andre ressurser når jeg kunne. Min beste venn i Nashville har spilt inn keyboard, streng og pianospor på flere av demoene mine gjennom årene. Disse delene legger til demoene mine, i stedet for å fjerne det endelige produktet. - Bland demoer med mange forskjellige høyttalere
Fordi det finnes et utall utdataenheter for å høre på musikk, blandet jeg demoer med mange forskjellige høyttalere. Jeg lærte raskt at en demo kunne høres bra ut på studiohøyttalerne mine, men kunne høres helt annerledes ut når jeg ble spilt gjennom lydsystemet i bilen min. Utenfor det finstemte innspillingssystemet mitt, kan folk bruke hodetelefoner, datamaskinhøyttalere, bilstereoer, lydsystemer hjemme, eller hundre andre måter å høre på innspillingene mine.
Jeg måtte forutse og tilpasse meg så mange av disse lyttealternativene jeg kunne før jeg slapp demoen ut i naturen. Jeg blandet på lave nivåer og med volumet skrudd høyt. Jeg hørte på musikken mens jeg satt ved datamaskinen min og kjørte ned på motorveien. Jeg brukte ørepropper, hodetelefoner over øret, åpne rygger, lukket rygg, gamle, nye og mellom høyttalere. På den måten kunne jeg forstå alle de forskjellige tingene folk kan høre, avhengig av høyttalerne de kan bruke. Til syvende og sist klarte jeg å justere lyden i studioet mitt for å imøtekomme de fleste avspillingssystemer. Når lyden virket litt mangel på bass på studiohøyttalerne mine, hadde sporet typisk akkurat den rette mengden bass i hodetelefoner og billydsystemer. Jeg lærte å blande demoene mine for å støtte den største muligheten for lyttere. - Ikke overproduser.
Mitt første instinkt var å forsøke å overprodusere innspillingene mine. Jeg hadde spilt inn vokalen og gitarene mine, og følte deretter trangen til å legge til gitarsolodeler, eller bass- eller trommeldeler - ingen av dem var min forte. Hvis jeg virkelig følte å trappe den opp, ville jeg prøve å spille en slags piano- eller keyboard-del, som jeg ganske enkelt ikke hadde noen forsøk på. Til slutt anerkjente jeg at jeg prøvde å få sangene mine til å høres mer imponerende ut ved å ha mer på gang. Jeg visste at hvis en sang var sterk nok, kunne den stå på egen hånd med enkel instrumentering og vokal, og jeg trengte å være ok med å strippe bort all ekstra fluff og fremheve selve sangen. Det var formålet med å lære å spille inn i utgangspunktet. Jeg måtte være ærlig med meg selv.
Å lære å spille inn mine egne sanger tillot meg å leve ut noen av ungdomsskolenes fantasier om å være en rockestjerne. Til en viss grad ble noen av disse håpene oppfylt for meg, i alle fall på veldig små måter. Jeg mottok jevnlig komplimenter for innspillinger og vokal, noe som ga meg stolthet over det jeg ga ut til lyttere og kritikere. Jeg la sangene mine på et nettsted, og folk, som jeg ikke engang kjente, skrev notater til meg om sang. En person i Singapore hevdet til og med å ha alle sangene mine på iPod-en. Han sa at han var min største fan. Til slutt var jeg glad for at folk hørte demoene mine og gledet dem. Ved ikke å produsere for mye, klarte jeg å finpusse lyden og trekke entusiastiske lyttere inn.
Mitt første forsøk på å bygge mitt hjemmestudio
Med en lånt mikrofon, en forforsterker, multi-spor innspillingsprogramvare, gitaren min, og de aktuelle kablene og stativene, hadde jeg satt sammen et enkelt hjemmeopptakstudio.
Jeg lærte å sende to signaler fra forforsterkeren (en for gitaren min og en for mikrofonen min) til to separate kanaler slik at jeg kunne spille inn dem samtidig. Det er viktig at du har dem på unike spor, slik at du kan redigere dem uavhengig av hverandre.
Hvis vokalsporet mitt var anstendig, men jeg hadde gjort en feil på gitarsporet, kunne jeg lagre vokalsporet og spille det av mens jeg spilte inn gitardelen på nytt. Jeg kunne spille inn hver del til jeg ble fornøyd. Jeg kunne nå gjort alt jeg kunne ha gjort i et skikkelig, profesjonelt studio. Eller så tenkte jeg.
Det jeg savnet
Min første innsats var ikke spektakulær. Gitaren min så ut til å plukke opp en ubehagelig brum, og den generelle lyden var ikke naturlig. Vokalsporene mine hadde sprettlyder. Jeg dyttet for mye luft raskt inn i mikrofonen uten noen form for skjerm for å avlede den støyen, og jeg plukket opp andre lyder som lukker dører og hunder bjeffende i bakgrunnen. Jeg var ikke sikker på hvordan jeg fikk sporene mine til å høres profesjonelle ut når jeg hadde dem på datamaskinen, så jeg brukte programtilleggsprogrammer for å legge til effekter som romklang og forsinkelse. Uten noen egentlig forståelse av hvordan jeg skulle rydde opp i sporene, hadde jeg varierte suksessnivåer med disse effektene. Jeg var ofte misfornøyd med resultatene mine.
Hvordan jeg ryddet opp i lyden min
På dette tidspunktet begynte jeg å nå ut til andre som jeg kjente hadde hjemmestudioer. Jeg begynte sakte å samle tips og triks for hvordan jeg skulle få den beste lyden fra utstyret og oppsettet som jeg hadde.
Jeg lærte at jeg måtte:
- velg og sikt mikrofoner
- isoler lyden jeg ønsket å spille inn
- manipulere opptakene med utjevning og effekter
Uten å bryte banken, kjøpte jeg noen få ting som var nøkkelen til å forbedre demoene mine. Disse inkluderer:
- en frontrute for vokalinnspilling
- en kondensatormikrofon av høyere kvalitet (min ene opptaksgir splurge)
- og et digitalt lydgrensesnitt for å erstatte min analoge forforsterker
Med et forbedret arsenal av innspillingsutstyr, en ny mengde tips, triks, selvlært kunnskap og timer og timer med trening under beltet, var jeg i stand til å produsere enkle gitar- og vokaldemoer som jeg var stolt av å sende ut til familien, venner og kritikkgrupper.
