Den kanskje eldste musikkvitsen er historien om turisten i New York som spurte en drosjesjåfør hvordan han skulle komme seg til Carnegie Hall.
Svaret (for de som ikke allerede har hørt denne) var "Øv, øving, øv!" Godt svar, med tanke på ideen om at mestring av en hvilken som helst kompleks ferdighet vanligvis tar omtrent 10 000 timer - det er 5 års verdi på 40 timers arbeidsuker!
Men sannheten er at det egentlig ikke er 10.000 timer - som piratkoden, at tallet på 10.000 timer er "mer en retningslinje." Øv smartere, så forbedrer du deg raskere. Her er noen enkle tips for å gjøre nettopp det.
Tips ett: Øv på en grunn!
Og ikke noen haltende, generelle grunner heller. Du vil oppnå noe spesifikt når du trener. La oss bryte det ned. Det er tre slags ting musikere øver på å gjøre:
1) Teknisk praksis. De lærer fysiske ferdigheter, bygger spesifikk fysisk kondisjonering som en messingspillers 'leppe' eller en gitarists fingerstyrke, eller lærer musikalsk materiale som skalaer, arpeggioer og lignende.
2) Øv deg på å løse problemer. Dette betyr å spille de harde delene av et stykke, de som ikke (ennå!) Høres slik du vil ha dem.
3) Øv på kontinuitet. Dette betyr å lære å spille eller synge gjennom musikk du har tenkt å fremføre uten å stoppe eller nøle. Det er den typen praksis som er mest som å utføre, og det er viktig. Dessverre er det den eneste typen praksis som noen av oss noensinne gjør - “dessverre” fordi bare å utføre en slags praksis ikke er en god måte å bli bedre på.
La oss se hvordan denne måten å se på praksis fungerer. Her er tre vanlige situasjoner. Kan du matche hver situasjon med den typen trening som kreves?
- A) En bandstudent må lære seg seks store skalaer, med arpeggioene sine, for neste "pass-off". (Spiller test.)
- B) Et garasjeband må lære seg tre nye sanger sangeren deres har skrevet for sin neste spillejobb. De har øvd på alle de separate delene under skrivingen og arrangert økter de har gjort som en gruppe. De må bare polere sangene for vis slik at de høres veldig bra ut.
- C) En høyskolemusikkstudent gjør seg klar til konsertkonkurransen Music School, som som premie tilbyr en forestilling som solist med School Orchestra og et stipend på $ 500. Men det er et avsnitt i tiltak 33-37 som alltid ser ut til å høres ut av stemmen, ut av tiden eller begge deler.
Hvis du sa:
A) - Teknisk praksis; B) —Praksis for kontinuitet; og C) —Praktikk for å løse problemer, så har du ideen. Hvis ikke, er det derfor det brytes ned på den måten.
I A) prøver studenten å absorbere skalaer og arpeggioer. (Læreren hans håper de er godt nok opptatt av at studentens spill generelt forbedres.) Det er å lære musikalsk materiale, så vel som de fysiske bevegelsesmønstrene som følger med dem, slik at de musikalske og fysiske mønstrene kan brukes fritt og selvsikker i prestasjonssituasjoner. Det er teknisk praksis.
I B) prøver bandet å lære seg å komme seg lett og trygt gjennom sangene sine. De vil sparke rumpa, ikke bare snuble gjennom! De har allerede funnet ut detaljene; de prøver å sette brikkene sammen på en mest overbevisende måte som mulig. De øver for kontinuitet.
De prøver også å bygge sin egen tillit til deres evne til å 'komme gjennom' stykket, så på en måte prøver de å bevise noe for seg selv. Dessverre blir noen musikere hengt opp på denne delen. De er så opptatt med å bevise at de er klare at de forsømmer problemløsningen de trenger å gjøre for å faktisk være klare.
I C) kjenner studenten stykket, men hun prøver å finne ut av et problemsted - hvorfor har hun vanskene hun gjør, og hva kan hun gjøre med det? Det er klart det er å øve på å løse spesifikke problemer.
Denne typen praksis unngås ofte - noen ganger til og med av de som tror de gjør det, men som virkelig gjør noe som ligner mer på kontinuitetspraksis. Det er kanskje fordi ekte problemløsning krever tålmodighet med seg selv, og mot til å innrømme at det er et problem i utgangspunktet. Men det er også det morsomste, på en måte, fordi utfordringen med å finne ut av noe kan være litt som et spill eller et puslespill. For noen mennesker kan denne typen praksis være nesten vanedannende.
I hvert tilfelle er det imidlertid en grunn til øvelsen - musikeren eller gruppen prøver å få gjort noe spesifikt. Og de vil få det til raskere, i gjennomsnitt, hvis de holder målene sine i bakhodet. Så:
Vær målbevisst!
Tips to: Konsentrer deg, minst så mye du trenger!
Hver av de tre typene praksis krever konsentrasjon:
- Hvis du øver for kontinuitet, vil du sikre at du holder et sterkt mentalt bilde av stykket, og hvor du er i det;
- Hvis du øver på å løse problemer, må du virkelig lytte til lyden du lager og sammenligne den med lyden du ønsker å lage, og du må virkelig tenke på hvordan du kan få de to til å matche bedre ;
- Og hvis du trener tekniske øvelser, må du konsentrere deg nok til å sørge for at du gjør dem riktig - ellers bygger du på dårlige vaner som vil holde deg tilbake og som til og med kan føre til fysisk skade. Hvor mye konsentrasjon som tar kan imidlertid variere. Hvis du gjør en kondisjonstrening som du har gjort hundrevis av ganger, vil det ikke ta så mye som en øvelse ment å bidra til å bygge en spillteknikk som er helt ny for deg. Jeg kjenner folk som har øvd på skalaer mens de så på TV.
Bruk din egen gode mening, men:
Konsentrere!
Tips tre: Sakte!
Dette er stort sett et tips for problemløsning. Når du løser et problem i et stykke eller en studie, prøver du å lære å være i kontroll over problemer. Den eneste beste måten å få kontroll er å bremse - gjør nesten enhver fysisk bevegelse treg nok, og de fleste hvem som helst kan gjøre det. Gjør det mye sakte, deretter litt raskere, og gjenta prosessen. Hvis du blir med det, vil du i tide brenne gjennom det.
Jeg skrev nesten " og snart brenner du gjennom det, " men det er ikke nødvendigvis sant. Jeg husker tider da det så ut til at jeg hadde øvd på noe i det som virket som evighet - måneder, til og med år - og med liten forbedring å vise.
Og jeg husker at jeg ga opp noen ting, og tenkte at det må være noe galt med meg når det gjaldt å lære den tingen. Men jeg tror nå at jeg bare ikke vedvarte lenge nok. I tilfeller der jeg fortsatte, ble jeg bedre. Mye, mye bedre, faktisk. Det vil du også.
Et annet undertips her: senk tempoet for hele problemer, men hold tempoet jevnt. Det kan føles stumt å holde en lang lapp midt i et problemsted, men hvis du alltid får deg til å gjøre det, vil rytmefølelsen takke deg. Å bruke en metronom for å holde det sakte tempoet ærlig kan hjelpe med dette. Pluss at på den måten kan du gradvis øke tempoet på metronomen, og du kan bedre fortelle at du virkelig forbedrer deg. Da blir du ikke motløs så raskt.
Ta det rolig!
Tips fire: Endre det opp!
En ledsager til tips tre. En annen god måte å sette deg kontroll på et problemsted er å endre det! Den enkleste måten er å forkorte det: prøv å øve på bare noen få toner av en tøff bit, kanskje "sløyfe" dem om og om igjen. På den måten kan du få mye trening på akkurat den biten du trenger å trene, veldig raskt.
Men du kan også endre det på andre måter. For eksempel kan du ta ut noen notater - nåde-lapper, notater om takten eller hva som helst. Det høres kanskje litt sprøtt ut, men det kan virkelig hjelpe. En grunn er at det kan gjøre de rytmiske rammene mye lettere å forstå; en annen er at den kan la deg slappe av litt og virkelig konsentrere deg om tonene du spiller.
Eller du kan sette inn pauser og lage vanskelige notater for deg å "lande på." Når du lander på en tøff lapp, holder du den, gir deg tid til å lytte til den og føle den fysiske anstrengelsen ved å spille den lappen. Når du vet nøyaktig hvordan en viss lapp høres ut og føles, har du god kontroll på det.
Her er noen eksempler på å endre det opp:
Dyktige transposører - og de som ønsker å være - kan øve på passasjer i forskjellige nøkler. Den legendariske Chicago Symphony-trompetisten “Bud” Herseth har vært en stor forkjemper for dette.
Så ikke vær redd for å gjøre det
Endre det opp!
Tips fem: Få tilbakemelding!
Det er en tendens for noen av oss å øve i et slags vakuum: vi går over ting, og kanskje lytter vi, men vi bruker ikke verifisering utenfor så mye vi kunne. Og vi forbedrer oss ikke så mye vi kunne.
Den mest åpenbare måten å sjekke hva vi gjør er å spørre noen som kjenner. Musikklæreren din er et godt valg som kritiker; Noen ganger er også bandkamerater et godt valg. (Spesielt de som bryr seg mer om musikken enn om følelsene dine.)
Stadig mer populært som 'kritikere' er lyd- og videoopptak. Å høre noe utenfra kan hjelpe oss å bli en bedre kritiker for oss selv - det er overraskende hvor tydelig du hører ting om at du spilte på et opptak som du ikke hørte i det hele tatt da du faktisk spilte.
Men de beste hverdagskontrollene er metronomen og tuneren. Å spille til en metronom vil fort fortelle deg om du holder god tid eller ikke. Og hvis du bruker en tuner, kan du fortelle deg om du spiller mer enn du kanskje hadde mistanke om. (Selvfølgelig er det andre alternativer også på denne linjen - det finnes praksisprogramvare nå, og det gamle, gode tastaturet kan hjelpe med tuning, hvis du bruker det.)
Hovedpoenget er at få av oss er så gode som vi har en tendens til å tro at vi er - så sjekk inntrykket øret ditt gir deg.
Få tilbakemelding!
Tips seks: La feilene gå!
Jeg vet at det høres ut som det motsatte av det jeg nettopp sa, men Tip Five handlet om problemløsing, og vi går videre nå for å snakke mer om å øve for kontinuitet. Det er sant at når du problemløser, må du være våken for feil, slik at du kan fikse dem. Men når du øver for kontinuitet, bør du også øve på å ignorere feil.
Det er fordi feil kan være en stor distraksjon i ytelsen. Så snart du tenker: “Oops, jeg rotet meg til, ” mister du fokuset på musikken du spiller. Du er fokusert på deg selv. Kanskje du slår deg selv: "Hvordan kunne jeg gjøre noe sånt?"
Men i begge tilfeller tenker du ikke på hva som kommer videre.
Fare! Flubbed musikk fremover!
Så når du trener for kontinuitet, må du øve på å holde fokus på musikken selv, og hvordan den går. Hvis du gjør en feil, er det bare å fortsette å spille. Med andre ord,
La feilene gå!
Tips syv: Fortsett å tenke på musikken, selv om du ikke kan fortsette å spille den!
Fangende, men hva betyr dette?
Vel, hvis - Gud forby - du faktisk gjør en feil, er det du ikke vil gjøre fremfor alt annet å miste plassen din. Hvis du slutter å spille, er det ille - men hvis du fremdeles vet hvor du er i musikken, kan du hoppe rett tilbake i. Hvis du er tapt, er det imidlertid sannsynlig at ytterligere feil vil følge før du finner ut hvor du er.
Når du øver for kontinuitet, ønsker du å bygge et sterkt mentalt bilde av hvordan stykket går - noen musikere har kalt dette "gjennomgående" - og din evne til å være med den gjennomgående linjen gjennom tykt og tynt . En måte å gjøre det på er å med vilje slutte å spille mens du øver for kontinuitet, samtidig som du kan forestille deg lyden fra musikken mens du teller gjennom den 'stille' delen. For eksempel kan du spille hvert annet tiltak, og forestille deg tiltakene mellom.
Det er en fin øvelse å
Fortsett å tenke musikken!
Tips åtte: Hold det avslappet!
Over har jeg skrevet som om kontinuitetspraksis alltid må være en miniprestasjon. Men ikke alltid! Du er kanskje ikke fysisk eller mentalt klar til å klare det hele gjennom et bestemt stykke. I så fall er det bedre å øve på kontinuitet etter seksjoner.
Dette er spesielt viktig når fysisk utholdenhet er involvert. Å alltid starte på begynnelsen av et stykke og jobbe gjennom til slutten kan føre til læring at avslutningen er synonymt med fysisk tretthet og spenning. For å beseire dette, prøv å øve på stykket for kontinuitet etter seksjoner, men begynn på slutten og jobbe mot begynnelsen.
En annen variant er å inkludere 'forestilte seksjoner', som beskrevet i tips syv. Det er uten tvil andre muligheter. Men finn en vei til
Hold det avslappet!
Tips ni: Hold tempoet - eller tempoene - ærlig!
Jeg vet at jeg gjentar meg selv her, siden jeg allerede gikk inn for å bruke en metronom i Tip Five, men en del av et stykke gjennomgående linje er å holde tempoet der det må være. Det kan være konstant for hele stykket - i hvilket tilfelle bruk av metronom er enkelt - eller det kan variere veldig. I så fall er den mest praktiske måten å sjekke tempo på å bruke akkompagnementsprogramvare eller innspilling av musikken. Men uansett hvordan du gjør det, er det ekstremt viktig å sjekke tempo når du polerer et stykke for ytelse.
Hold tempoet ærlig!
Tips ti: Ta vare på kroppen din!
Jeg holdt det viktigste tipset for sist. Det er et par måter dette tipset gjelder.
Det første er at kroppen din er en del av instrumentet ditt. (Hvis du er en sanger, er det alt instrumentet ditt!) For å spille ditt beste, må du også vedlikeholde kroppen din. Jeg husker for eksempel en trombonist som sa at hans beste praksisøkter alltid startet med en kilometerløp. God ernæring, hvile og unngå en usunn livsstil vil ikke automatisk gjøre deg til en god musiker, men de kan gi talentet ditt og hardt arbeid en ekstra konkurransefortrinn.
Det andre er at å trene (eller prestere) dårlig kan være helsefarlig. Repetitive stressskader er et reelt problem blant profesjonelle musikere, og er ikke uvanlig blant studenter og amatører også. De kan være smertefulle, dyre, til og med karriereendende.
Men den gode nyheten er at de kan minimeres ved å bruke god spillteknikk. (Det høres forkynnende ut, men spilleteknikk er utviklet og har delvis utviklet seg til å være fysisk brukbart for spillere. Det er en del av arven vår om 'kulturell visdom' som musikere, og vi ignorerer den på egen risiko.)
Det er også viktig å ta hensyn til det fysiske aspektet av spillet vårt. Selv om vi absolutt må lære å gjøre ting som kanskje ikke er fysisk komfortable med det første, når vi opplever overdreven tretthet i spesifikke muskler, vedvarende smerter, redusert bevegelsesområde eller muskelsvakhet, bør vi følge nøye med og vurdere hva vi gjør før vi får skader.
Ta vare på kroppen din!
La oss oppsummere det:
Tips ett: Øv på en grunn! ( Vet hva du prøver å gjøre.)
Tips to: Konsentrer deg, minst så mye du trenger. (Så gjør det.)
Tips tre: Sakte! ( Sett deg selv kontroll over tempoet.)
Tips fire: Endre det opp! (Sett deg selv i kontroll over musikkens struktur - du trenger ikke alltid å øve på den nøyaktig som den er på siden. Noen ganger er det smart å “dumme den ned.”)
Tips fem: Få tilbakemelding! (Forsikre deg om at du får det riktig - bruk tuner, metronom, datamaskin, innspillinger og (selvfølgelig) lærere og kritikere.)
Tips seks: La feilene gå! (Det vil ikke være perfekt noen gang, men det kan fortsatt være vakker musikk. La det være ekte, og la det gå forbi.)
Tips syv: Fortsett å tenke musikken, selv om du ikke kan fortsette å spille den! (Bare hold fast i "gjennomgående linje.")
Tips åtte: Hold det avslappet! Musikk er vakker når den flyter, så ikke legg den til med bekymring og stress.
Tips ni: Hold tempoet - eller tempoer - ærlig! ( Det er vanskeligere å gjøre dette enn du kanskje tror, så sjekk tempoet / tempoene dine!)
Tips ti: Ta vare på kroppen din! (Det er den eneste du har, ikke sant? Musikk er bra for deg, men ikke hvis du gjør det galt. Og kroppen din er god for musikk, men ikke hvis du bruker den galt. Så "heads up!" Vær oppmerksom til hvordan det føles å spille eller synge - og fikse det, hvis det gjør vondt eller forårsaker svakhet eller spenning!)
Der har du det: ti tips for å hjelpe deg med å holde musikken din morsom, trygg og for å gjøre treningstiden din så produktiv som den kan være.
Jeg håper de jobber for deg som de har for meg, og gir deg like stor tilfredshet som de har meg. Mest av alt håper jeg at de hjelper deg med å bringe skjønnhet, energi, glede, spenning og opplysning til en verden som trenger det!
