Mellom 1400 og 1600 så renessansetiden en stor utvikling av musikalske komposisjonsstiler, spesielt av kormusikk. Nedenfor har jeg listet opp fire vakre stykker komponert i denne tidsperioden, som jeg alle har fremført og elsket. Du finner teksten til hvert stykke med en engelsk oversettelse, noen generelle kommentarer om stykket eller dets bakgrunn, og en lytteguide som tilsvarer bestemte steder på de innebygde YouTube-opptakene. Lytt til så mye eller så lite du vil, med eller uten guidene - den viktigste delen er å ta en pause fra hva annet du gjør og nyte denne fantastiske musikken.
1. Ave Verum Corpus (William Byrd ca. 1605)
Tekst og oversettelse: (kilde)
Ave verum corpus / n atum de Maria virgine / v ere passum immolatum / in crucis pro homine. / Cuius latus perforatum / unda fluxit sanguine. / Esto nobis praegustatum / i mortis undersøke. / O dulcis, o pie / O Jesu Fili Mariae / miserere mei / Amen.
Hilsen, ekte legeme / født av jomfru Maria / som virkelig har lidd, slaktet / på korset for menneskeheten. / Hans side ble gjennomboret / helt ut vann og blod. / Vær en forsmak for oss / under vår prøvelse av død. / O søte, o hellige / O Jesus Son of Mary / være miskunn med meg / Amen.
Generelle bemerkninger:
Byrd's Ave Verum Corpus er en av mine favoritter hele tiden, fylt med vakre dissonanser for å fremheve smerten i teksten om Kristi korsfestelse. Tenk på hvordan svingninger mellom større og mindre akkorder (noen som jeg har påpekt nedenfor) illustrerer teksten. Legg også merke til øyeblikk av homofoni (når alle stemmene synger ord sammen i samme rytme) kontra tilfeller når stemmedelene har forskjøvet inngangsparti, og hvilke effekter dette har for å formidle teksten. De vakreste øyeblikkene av stykket er, for meg, suspensjonene: øyeblikk når notene sunget av to eller flere stemmedeler er sterkt dissonante for et slag eller to, før den ene delen beveger seg opp eller ned en tone for å løse spenningen. Dette er vanligvis resultatet av at en del blir liggende på en lapp når akkorden endres rundt den, og deretter løses til en note i den nye akkorden.
Lytteveiledning:
0:07: Legg merke til hvordan den åpende mindre akkorden er homofonisk (alle stemmer kommer inn på samme tid på de samme ordene og rytmene).
0:23: Legg merke til hvordan lyden lyser opp i en serie store akkorder på ordene "natum de Maria virginae" eller "born of the jomfru Maria".
0:57: Lytt til suspensjonen på "homine" (i alt-delen); se om du kan høre en slags tilfredsstillende spenning og løslatelse på dette stedet.
1:12: Legg merke til hvordan stemmedelene kommer inn på forskjellige tidspunkter, overlapp ordene "unda fluxit sanguine" eller "å helle ut vann og blod" for å representere auditorisk ideen om å helle eller strømme.
1:36: Lytt etter crescendo (å bli høyere) på "mortis" eller "death" - dette er et av de viktigste klimaksene i stykket, og understreker dramaet i dette ordet.
1:46: Stemmene blir plutselig mykere og søtere på "o dulcis, o pie" eller "o søte, o hellige". Sopranen synger alene før de andre delene kommer inn, og bidrar til en følelse av letthet og renhet.
02:08: Legg merke til den vakre suspensjonen på "Mariae", denne gangen i tenordelen.
2:15: Stemmedeler kommer inn til en annen tid på teksten "miserere mei" eller "vær barmhjertig mot meg", og representerer individuelle stemmer i denne mer personlige uttalelsen
2:43: Musikken gjentar nå seksjonen som begynner med "o dulcis, o pie", enda mykere og søtere for å avslutte stykket.
3:47: Nyt en annen saftig dissonans mellom tenor-lappen og alt / bass-notene.
2. Ultimi Miei Sospiri (Philippe Verdelot ca. 1520-tallet?)
Tekst og oversettelse:
Ultimi miei sospiri / che mi lassate fredd'et sença vita, / contate i miei martiri / a chi morir 'mi ved'et non m'aita. / Dite, o beltà infinita, / dal tuo fedel 'ne caccia empio martire. / Et se questo gli è grato, / gitene ratt'in ciel 'a miglior' stato. / Ma se pietà le porg'il vostro dire, / tornat'in me, ch'io non vorrò morire.
Mine døende åndedrag / som etterlater meg kjølig og livløs, / forteller mine lidelser til en / som ser meg omgås og ikke hjelper meg. / Snakk, O uendelig skjønnhet, / at din trofaste kan bli skånet for lideløs lidelse. / Og hvis dette behager henne, / gå raskt til himmelen og en bedre tilstand. / Men hvis dine ord vekker medlidenhet hennes, / vender tilbake til meg, for jeg vil ikke dø.
Generelle bemerkninger:
Dette stykket er et klassisk eksempel på en tidlig madrigal, en type sekulær, enslige kormusikk med opprinnelse i Italia. Selv ikke-italienske komponister brukte ofte tekst og poesi skrevet på italiensk, og dette er et eksempel. En av mine favoritt ting med dette stykket er lyden av de dype bassinngangene (den laveste stemmedelen av 6), spesielt i denne fantastiske King's Singers-innspillingen. Du vil høre mye imitasjon mellom stemmedelene, noe som skaper en interessant polyfonisk tekstur (motsatt av homofonisk: stemmedeler som synger tekst til forskjellige tider med forskjellige rytmer). Forsøk å lytte etter gjentatte linjer med tekst som sendes mellom stemmene - det skjer overalt i hele stykket.
(Merk: det er stavefeil i tittelen på YouTube-videoen. Det er 'Ultimi', ikke 'Ultima'.)
Lytteveiledning:
0:11: Hør den første lave bassinngangen gjenklare strålende ...
0: 23-0: 28 og 0: 33-0: 38: Legg merke til hvordan sangerne legger vekt på "s" lyden av "lassate" for å hjelpe oss å høre gjentakelsen av ordet i forskjellige deler.
0:50: Nok en tilfredsstillende lav bassinngang.
1:20: Stykket begynner å intensiveres i volum og tonehøyde, og fremhever den bønnfallende teksten "dite, o beltà infinita" eller "speak, O uendelig skjønnhet".
02:03: Lytt et sjeldent homofonisk øyeblikk i de øvre stemmene på "gittene ratt'in ciel" eller "gå raskt til himmelen"; lysheten til de høyere stemmene kan representere denne bevegelsen opp mot himmelen, og den homofoniske strukturen gir en kort kontrast til resten av stykkets stadig overlappende linjer.
2: 36-2: 52: Etter en mykere seksjon begynner stykket å bygge seg opp igjen i volum og intensitet, og lander konsekvent på mindre akkorder på ordet "meg" (gir en slags mørk vekt).
3:07: Hør en vakker suspensjon i alt 1-delen.
3. Je me klager piteusement (Guillaume Dufay ca. 1423)
Tekst og oversettelse:
Je me klager piteusement / a moi tout seul pluss qu'a nullui, / de la griesté, paine e tourment, / Que je souffre plus que ne di. / Dangier me tient en tel soussi / Qu'eschever ne puis sa rudesse, / et Fortune le veult aussi, / mais, par ma foy, ce fait Jonesse.
Klikk her for å se en engelsk oversettelse. I hovedsak handler teksten om smerten og lidelsen ved "kjærlighet" - og ganske melodramatisk!
Generelle bemerkninger:
Dette stykket skal høres særlig annerledes ut enn de andre; Selv om den teknisk ble skrevet under den tidlige renessansetiden, er Dufays lyd ganske middelaldersk. Lytt etter de hullydende, åpne femtedelsene ved endene av setningene og hvordan stemmedelene overlapper hverandre, i stedet for å okkupere forskjellige rekke notater. Legg også merke til stemmedelenes rytmiske og tekstlige uavhengighet (dvs. at de synger teksten til litt forskjellige tider og med litt forskjellige rytmer). Dette bidrar til en noe kaotisk (og klassisk middelaldersk) lyd som de fleste av oss ikke er vant til å høre. Et annet middelaldersk element er bruken av stemmer for musikk som ikke er lagt med tekst; sangere bruker vokallyder som "ee" eller "eu" for disse seksjonene.
Denne versjonen på YouTube er ledsaget av instrumenter; for en fantastisk a cappella vokalordning, sjekk Blue Herons innspilling på Spotify.
Lytteveiledning:
0: 11-0: 14: Lytt til denne melodibiten (sunget av den høyeste stemmen, den som spretter ut av tekstur) og se om du kan høre den gjentas gjennom hele stykket (den kommer tilbake flere ganger) . Jeg elsker måten denne delen høres ut på!
0:44: Dette markerer begynnelsen på et tekstfritt avsnitt (sunget på "ee"). Legg merke til hvordan stemmene emulerer musikkinstrumenter og hvordan den raske, jevn rytmen og overlappende notene skaper en slags krusende, bølgelignende effekt.
Kl. 1:00: Her er et eksempel på en hul åpen femmer på slutten av en frase - legg merke til sangernes stilistiske valg om å decrescendo (bli mykere) i stedet for å smelle inn i det.
1:04: Lytt til den korte homofonien i begynnelsen av denne delen, som høres mer ut som senere renessansemusikk enn andre deler av stykket.
1:30: Et annet eksempel på en åpen femmer som er litt lettere å høre.
1:32: Den andre forekomsten av den tekstfrie delen.
4. Spem i alium (Thomas Tallis ca. 1570)
Tekst og oversettelse: (kilde)
Spem i alium nunquam habui / praeter in te, Deus Israel, / qui irasceris, et propitius eris, / et omnia peccata hominum / in tribulatione dimittis. / Domine Deus, skaperen caeli et terrae, / respil humilitatem nostram.
Jeg har aldri plassert mitt håp / i noen andre enn deg, Israels Gud, / som kan vise både sinne og nådighet / og befri alle synder / det lidende mennesket. / Herre Gud, skaper himmel og jord / vær oppmerksom på vår ydmykelse.
Generelle bemerkninger:
Dette utrolige stykket har flest stemme deler av ethvert korverk (40!). Stemmene er delt opp i 8 kor med 5 stemmer (sopran, alt, tenor, baryton og bass). Ikke alle kor synger i hvert øyeblikk (de bytter ofte deler i grupper av to kor), men det er flere fantastiske deler der alle deler synger samtidig, og skaper en tett, rik lyd. Det er klart, noen stemmer synger de samme tonene (det høres ikke 40 forskjellige notater på en gang), men Tallis varierer rytmene og noter ordre fra forskjellige deler for å skape en tett tekstur av notater i samme akkord.
Jeg vet av erfaring at det er veldig lett å gå seg vill når jeg synger eller hører på dette stykket på grunn av de konstante overlappende rytmene. Vanligvis kan en øvd lytter identifisere ved å slå øreslag (den første takten, som vanligvis får ekstra vekt) av hvert mål på et stykke, men det er uvanlig vanskelig å gjøre det i dette stykket etter de første 30 sekundene. Effekten av dette for lytteren er en uendelig lydmasse, hvor enkeltlinjer er vanskelig å plukke ut. Jeg har fremhevet noen få bestemte øyeblikk å lytte til underveis, men hovedsakelig bare lene seg tilbake og nyte atmosfæren til denne!
Lytteveiledning:
Se om du kan høre de enkelte delers innganger, da de kommer inn med teksten "spem in alium" (fra begynnelsen til 2:12).
02:30: Dette er det første øyeblikket der alle delene synger på en gang!
Se om du kan høre sopranen direkte imitere tenorens melodiske linje på "qui iraceris" (tenor kl. 2:54, sopran kl. 3:00).
4:35: Hør alle delene synge sammen igjen på "et omnia peccata hominum" (dette er et av favorittøyeblikkene mine).
7:19: Etter en pause synger alle (for det meste) homofonisk den første dramatiske uttalelsen om "respice".
8:19: Nok en gang kommer hver del inn på "respit" etter en hvil: Herfra er det en langsom og jevn oppbygging til den sprudlende avslutningen.
Renessansemusikk er for absolutt alle
Jeg håper du har hatt glede av å høre på disse brikkene og bruke guidene som en måte å føle deg mer engasjert med. Men husk: det er ingen riktig eller feil måte å lytte til dem. Oppdag dine egne favorittdeler og beskriv dem du vil; du trenger absolutt ikke å vite musikkteori for å beskrive hva du liker ved et bestemt stykke eller seksjon. Musikk bør nytes, danses til, snakkes om, nynnes sammen med og brukes til å vekke følelser vi ikke kan forklare. Jeg håper du vil fortsette å utforske disse og andre stykker fra denne vakre tiden for kormusikk.
