Matt Baum beskriver musikken sin som chipwave og sier at han lager "mørk energiske spor som hyller gamle videospill og film fra 80-tallet." På sitt siste album Scars bruker han, "kroppsskrekk og intergalaktisk krigsfortelling som bakgrunn for å utforske temaer rundt livsoverganger."
Jeg snakket med ham om ideene bak albumet, hvordan han gikk ut for å produsere det og hvordan han lager sin karakteristiske chipwave-lyd.
Karl Magi: Snakk om hvordan du ble inspirert til å skrive dette albumet og hvordan du gikk for å produsere det?
Matt Baum: Når jeg skriver, skriver jeg generelt bare sang for sang og finner inspirasjon i tingene som skjer rundt meg for hvilken sang jeg nå jobber med. For det meste, fordi jeg skriver sanger for et album som er ganske nærme hverandre i tid, er det en tendens til å være en utilsiktet emosjonell bue på tvers av dem, men den buen kommer ikke tydelig fram for meg før jeg faktisk har alle sangene ferdig og lagt ut foran meg. Det meste av dette albumet ble skrevet mens jeg forhandlet frem bruddet på et tiårig forhold, så mange av sangene på dette albumet fokuserer på temaene konflikt, overgang og nostalgi. Jeg brukte definitivt musikk som en form for terapeutisk utgivelse for alt jeg gikk gjennom i mitt personlige liv den gangen.
KM: Hva er de musikalske ideene du jobbet med Scars, og hva var din generelle tilnærming til å lage melodiene selv?
MB: Kommer jeg fra UPGRADE, ønsket jeg å eksperimentere ved å gå litt "spacier", og tilføyde tyngre reverb og forsinkelser og en mer tilstedeværende chip-basslyd for å gi ting en mer forkjennelse. Idéen ble startet da jeg skrev Stranded for Chiptunes = WIN-samlingsalbum "Spacetunes = WIN." Jeg likte å produsere i den stilen så mye at jeg bestemte meg for å holde det gående for alle sporene som fulgte, og konseptualisere hvert spor som en annen måte å oppleve rom på ... truende, ensom, men også underlig vakker.
KM: Hvordan påvirket begrensningene som ligger i å ha en 8-biters chip med tre stemmer hvordan du skrev sangene på albumet?
MB: Andre artister unngår kanskje denne tilnærmingen, men jeg setter egentlig bare sjetongbegrensninger når det gjelder lyddesignet til individuelle oppdateringer, ikke lagdeling og arrangering av sporet som helhet. Som et resultat, selv om mesteparten av lyden min er laget av 2A03 Nintendo-brikken, begrenser jeg meg ikke til standardoppsettet med fire kanaler + DPCM. Det gjør at jeg kan lage sjetonglyder på forskjellige måter og lage fyldigere lydopplegg enn det som faktisk hadde vært oppnåelig på NES.
Å holde meg til det ene brikkesettet og utfordre meg selv til å holde meg innenfor grensene når jeg gjør den faktiske lydsyntesen, hjelper meg å opprettholde en signaturlyd, samtidig som jeg gir nok frihet innenfor den rammen til å gjøre noen morsomme ting. Jeg eksperimenterte litt mer denne gangen med miksene mine, og brukte flere reverb- og stereoforsinkelser for å gi ekstra dybde og bredde til sporene på Scars.
KM: Hvor ligger balansen mellom katarsis og det å lage sanger som vil trekke inn lyttere for deg på arr?
MB: Jeg skriver først og fremst for meg selv og fokuserer på å lage musikk som jeg vil høre. Hvis andre mennesker også liker det, desto bedre, men jeg går ikke ut av min måte å skrive med et bestemt publikum i tankene. Jeg tror det bare skjer slik at det meste av det som alltid har påvirket meg - videospill, film og lydspor fra 80- og begynnelsen av 90-tallet - er ganske grunnleggende opplevelser for mange mennesker som vokste opp i den samme tidsperioden, så det er en naturlig forbindelse mellom musikken jeg skriver og hva folk liker å høre på. Mange av temaene jeg har å gjøre med på et terapeutisk nivå når låtskriving også er ganske universell.
KM: Snakk om menneskene du samarbeidet med og hva de hadde med seg til prosjektet?
MB: Da jeg skrev sporet arr, føltes den emosjonelle tyngden til sangen og den narrative strukturen på arrangementet som om det trengte vokal for meg, og jeg hadde lett etter en mulighet til å samarbeide med en vokalist i scenen. Da jeg ertet muligheten på sosiale medier og spurte folk etter ideer om hvem de ville ønske å høre synge på et Watch Out For Snakes-spor, fremmet flere mennesker Megan, og hun svarte selv til å uttrykke interesse. Jeg sendte en røff blanding av instrumentalen til henne, og hun svarte med en fantastisk vokalinje som solgte meg umiddelbart. Derfra delte jeg noe av det jeg hadde følt da jeg skrev instrumental, hun laget tekster basert på det, og sendte den ferdige vokalen over til den endelige blandingen. Hun var fantastisk å jobbe med, og jeg elsker hvordan det ferdige sporet kom ut.
Med Rip 'Em Up!, Jeg skal innrømme at jeg satt litt fast. Jeg følte at jeg hadde en flott start på en sang, men hadde ingen ideer om hvordan jeg skulle fullføre den. Gregorio er en annen Atlanta-artist som jeg har samarbeidet med på massevis av show, og hvis låtskriving og blandinger jeg alltid har respektert, så da jeg traff den veggen, rakte jeg ham til å se hva han syntes om det pågående sporet . Han gravde den og svarte innen 24 timer med en fantastisk finish på sangen. Det er sprø hvor raskt han klarte å komme opp på noe så dårlig. Derfra var det bare et spørsmål om å legge til en egen sjø solo for å utfylle Gregs del og få blandingen mellom våre deler riktig. Jeg er stolt av sluttresultatet fordi det er et så perfekt ekteskap av stilene våre og en flott representasjon av Atlantas synth scene.
KM: Hva håper du at lyttere får fra dette albumet?
MB: Ganske enkelt egentlig - jeg håper bare at folk liker å høre på albumet like mye som jeg likte å lage det! Alles livserfaring er forskjellig, så forhåpentligvis tolker alle sporene på albumet på en måte som er meningsfull for dem.
